一些经验丰富，特别是具备一定音乐知识的发烧友、在选购器材时总是使用--张自己十分熟悉、录音上乘，并由世界著名指挥与交响乐队合作演绎的交响乐或钢琴、小提琴与乐队的协奏曲CD做为检验器材综合素质的试音唱片、而绝不会采用流行歌曲或摇滚乐唱片,更不会使用电子乐器的唱片;道理很简单，一个大型交响乐队，包括了弦乐、木\管乐、铜管乐、打击乐等多种乐器。这些乐器务自有不同的音色，其综合表现力是其它器乐形式所无法比拟的。交响乐现场音乐会很少藉助扩音设备，而摇滚等现代电声乐队必须通过扩音器来表达，这种加工后的巨大的音响在现场就已无"高保真"可言了。就动态范围而言,交响乐唱片也比流行乐唱片大得多,所以优质交响乐的唱片是高保真发烧器材的试金石。当然，现代音乐也有许多录音十分出色的唱片可归为试音碟之列。
有的朋友提出，同样是使用交响乐唱片，同样是名牌大乐队和名牌人公司的录音，但觉得有些场面宽大、纵深感强，有些却感到很单薄，缺乏气势。这里除了对曲目不太了解外，还有一个重要原因是不了解交响乐队的不同编制。真正意义上的交响乐队是从海顿始创，后经莫扎特加以确立的所谓古典交响乐队开始的。巴罗克时期的管弦乐队还不是真正意义上的交响乐队。随着时代的变迁，交响乐队也有一个不断完善的发展过程。
古典主义时期的交响乐队比现代的交响乐队规模要小得多。海顿、莫札特时代的交响乐队一般由二十到三十几件乐器组成，其中包括成对的长笛、双簧管、大管、法国号及小号加上一定比例的弦乐器。其中有些管乐器还被音乐家省略不用，如海顿1764年创作的E大调第22交响曲《哲学家》，管乐器为两只英国管(双簧管的变型乐器)、两只法国号、一只大管，弦乐器最多不超过16件。莫扎特作于1773年的那首著名的A大调第29交响曲只有两只双簧管、两只法国号和18件弦乐器，打击乐器一件都没有。海顿、莫扎特晚期交响曲最大规模时也末超过40件乐器。
古典主义向浪漫主义转换时期的交响乐队有所扩大，这个时期最有代表性的人物是贝多芬。青年时代的贝多芬一般也遵循古典主义乐队的编制，但在《英雄》交响曲中增加了第三圆号，在《命运》交响曲中加进了短笛、低音大管和长号，在《田园》交响曲又加了短笛，在第九交响曲最后乐章的合唱乐段中除了上述乐器外，将打击乐器加以扩编，增加了大鼓、钹和三角铁。乐队扩充到80人左右。在当时来讲，这种编制确实庞大多了，所以贝多芬的交响曲听起来要比他的老师海顿、莫札特宏伟多了。
浪漫主义时期的大交响乐队和作曲家完全摆脱了宫廷与教会的约束，成为他们自己的主人，实际上也成了有较高文化修养的广大中产阶级的仆人。浪漫主义作曲家可以自由自在地表现自我，他们创作冲动的烈火从贝多芬打开的缺口中喷涌而出。他们要用音乐表达自己的理想、情感，要用音乐描写大自然，要把诗歌、散文、小说甚至绘画变成多彩的音符。古典主义时期的小交响乐队无法满足创作的需要，于是产生了大型交响乐队 浪漫派乐队。特别是铜管乐器、木管乐器迅速膨胀。为了表现特定的内容，在打击乐器中还增加了排钟、管钟、钢片琴等。贝多芬的追随者舒伯特、李斯特等都在扩大交响乐队编制方面做了大胆的尝试。为了整体音响的平衡，弦乐器也大大增加了。所以在浪漫主义时期，百十来人的交响乐队已是司空见惯的了。在这方面走得最近的是柏辽兹，1840年，柏辽兹指挥了他自己创作的《葬礼与凯旋交响曲》，参加演出得乐师竟有450人之多，当然，这种规模的演出，造成实际上演出的诸多困难。所以他的特大型乐队没有被后来人赞同和继承。
一个发烧友如果只懂音响技术而不懂音乐特别是交响乐的基本知识，那就欠缺了一半，反之也一样。所以两万面的基本知识都应掌握些，尚然两方而都做到专业水平是不可能的。在了解音乐、音响两方面基本知识的基础上，应提倡多练耳朵。卡拉扬看不懂电路图，但他可以从四十几把小提琴中准确地揪出一个拉错音的乐师,高级音响工程师可能看不懂五线谱，但他可以通过科技手段准确判断出音响器材的各种指标和通过听觉来辨别各种失真。发烧友特别是"新烧友"在购买器材特别是高档器材时，如你的耳功欠火候，最好请既懂古典音乐、又懂愤音响的资深发烧友当听音顾问，或事先证求-下专家的意见见，并使用交响乐做为试音CD，而别轻信"假行家"的乱插嘴，以免上当吃亏。我在北京听过一场进口音响器材演示会，一位来自的萨拉萨蒂小提琴"4D"录音发烧CD后，大讲特讲一通他的器材定位如何准确，连穆特拉琴晃动身体时提琴位置变化都能听出来，听众不禁哑然失笑。因为他把器材左石声道安反了，站在指挥左侧的穆特如何会到右侧去呢?
所以在尚未完全了解交响乐队编制及舞台排列之前，特别恨本没听过现场交响音乐会的人，先别奢谈什么"音场"、"定位"。如果区别不下各种乐器的基本特色，就不便谈什么"音色"，因为你所谈的音色、音场、定位等，只不过是个人的感觉而已。
